El arte se convirtió en una actividad orientada a mi liberación espiritual.

Metagenealogía.
Alejandro Jodorowsky.

Cambiar de respuesta es evolución. Cambiar de pregunta es revolución.

Jorge Wagensberg

Dicen que antes de entrar en el mar, el río tiembla de miedo (…) Solamente entrando en él diluirá su miedo porque sabrá que no se trata de desaparecer, sino de convertirse en océano.

Khalil Gibran

El dilema no es ¿religión o no religión?, sino ¿qué tipo de religión? ¿Es algo que fomenta el desarrollo humano, los poderes humanos específicos, o que los paraliza? Por ello, nuestra actitud religiosa puede considerarse un aspecto de nuestra estructura de carácter, porque somos aquello a lo que nos consagramos, y a lo que nos consagramos es lo que motiva nuestra conducta.

Tener o Ser.
Erich Fromm

Para mí, lo realmente especial de lo que llamo fotografía callejera (y no es la difinición de todos), es esa sensación de que cuando sales por la puerta, no sales con ningún tipo de preconcepción. Simplemente estás explorando por curiosidad y encuentras lo que encuentras. No sales con ningún tipo de agenda…
El fotógrafo de calle simplemente explora y sigue los ritmos de la calle y sus propias pasiones personales para encontrar lo que encuentra.

Alex Webb, entrevista por Photolari

Un artista tiene muy pocas cosas que decir pero las repite una y otra vez durante toda la vida. Es como alguien que hizo un viaje hace mucho tiempo, un viaje muy importante para él, y se pasa toda la vida contándolo. Puede contarlo de formas muy diferentes en forma de ópera, de etnografía, pero sigue siendo el mismo viaje. Cada uno de nosotros cuenta una sola cosa. Generalmente una cosa que nos ha sucedido en realidad.

Boltansky en Cornand, B. 1988, Les Archives de C.B. Paris, Filmer les arts

El arte se dirige a la mente, y no a los ojos. Siempre ha sido considerada de esta manera por pueblos primitivos, y ellos tienen razón. El arte es un idioma, el instrumento del conocimiento, el instrumento de la comunicación.

Jean Dubuffet

El artista no aspira a hacer la obra de arte, sino a ser él mismo en su realización permanente, en su devenir, en su búsqueda. Se va manifestando a sí mismo a través de su capacidad de revelación de ese absoluto que lo rodea. Él no se revela, él no se expresa. La obra no es hija de él sino que es testimonio de la relación de él con el mundo.

Antiestética.
Luis Felipe Noé

La creación de imágenes es el modo en el que la psique trata de comprender plenamente “las profundidades”, llevando a la conciencia a pensar más allá de sí misma.

Carl Gustav Jung

Buscamos sentirnos realizados, “hechos”, creemos que encontraremos ese instante donde todo cobre sentido, y en esa constante espera nos perdemos. Nos perdemos del presente, lo único que existe, imaginando y fantaseando un futuro que nos dé la clave, la seguridad de sentir que somos suficiente. Y sin darnos cuenta, ese círculo de pensamiento nos atrapa en una virtualidad que nos saca del presente y por tanto de la vida.
Sentimos ansiedad imaginando algo que está lejos, mucho más adelante, no ahora, después. Y es ahí donde sentimos una carencia, creyendo que más adelante llenaremos ese vacío.
En la creación y en la creatividad nos pasa lo mismo. Tenemos ideas, fantaseamos e imaginamos, y es que la base de la creatividad es hilar de una manera diferente lo ya conocido. Si nos dejamos llevar por esa sensación de falta, se nos vuelve en contra nuestro propio don. Pretendemos crear “fantaseando” el futuro, cuando crear no es otra cosa que habitar el presente.

M.A, La Profetisa

Por todas partes se escucha la misma cantinela: revolución, revolución y revolución. Pero la revolución no tiene que ver con romper nada, sino con poner algo de manifiesto. Si perdemos el tiempo pensando en aquello a lo que estamos atacando, acabaremos negativamente condicionados por ello. Tenemos que descubrir cual es nuestra pasión y expresarla. Tenemos que vivir nuestra vida. Marxs nos enseña a culpar a la sociedad por nuestras debilidades, Freud nos enseña a culpar a nuestros padres y la astrología nos enseña a culpar al universo. Pero el único lugar donde debemos buscar un culpable está en nuestro interior, porque no tuvimos las agallas necesarias de asumir y actualizar, durante la luna llena, todo nuestro potencial.

En busca de la felicidad, Mitología y transformación personal.
Joseph Campbell

Por cada obra de arte que se materializa hay muchas variaciones que no se materializan. La potencialidad expresiva de las obras nunca realizadas— devela una ausencia, la precariedad del mundo.

Adolfo Vásquez Rocca
Arte Conceptual – Idea como Arte.

«Todo está conectado, no hay sucesos desconectados en la experiencia humana. Pero descubrir esas conexiones, a eso le llamamos ser creativo.»

Milton Glaser

«Cuando los fotógrafos niegan hoy estar haciendo obras de arte, es porque piensan que están haciendo algo mejor. Sus negativas revelan más sobre la condición precaria de toda noción del arte que sobre si la fotografía es o no es un arte»

Sobre la Fotografía
Susan Sontag

«Sobre lo que nos gustaría insistir es sobre el hecho de que este olvido del marco, sea cual fuere la manera por la que lo obtengamos, preside una concepción de la imagen culturalmente muy marcada, que implica, más allá de las elecciones estéticas, una verdadera ética de la imagen. En efecto, el ocultar el carácter de representación(es decir de construcción) de la imagen, se la presenta ya no como un enunciado visual, una interpretación, sino una vez más como el mundo mismo. «

La imagen fija. (Los signos plásticos específicos)
Martine Joly

¨La exploración de la memoria puede ser también un material y un recurso para la creación. De este modo, la historia personal puede transformarse, reorganizarse, reconstruirse, por un trabajo de montaje. La reconstrucción es, según el diccionario, reconstruir la destruido, o restaurar. La definición se refiere a la construcción de un tiempo pasado de una cosa degradada, a un déficit, es decir, a una pérdida. La reconstrucción es la construcción a partir de una carencia. A nivel psicológico, la memoria también se refiere a la pérdida: es lo que conservamos de tiempo pasado, es la huella de un evento.»

Arte y Reconstrucción – Poética de la reconstrucción
Alejandro Erbetta

El simbolismo es el arte de pensar en imágenes y es algo que el hombre ha perdido hace trescientos años después de Descartes…. y para Jung el arquetipo es una epifanía, la aparición de lo latente a través del arcano, visión, sueño, fantasía, mito.

El Artista y su Destino.
Prólogo de Luz Castillo.

Se necesita coraje.
El coraje de las propias convicciones.
Y una actitud de aventura, despojada
del deseo de agradar al público (…)
Solo así los grandes pintores contemporáneos
han desarrollado un nuevo lenguaje propio.

Kenneth Kemble.

El historiador debe convertirse en un Trapero de la memoria, el que recoge deshechos, aún los más humildes y despreciados, colecciona cosas heteróclitas y toda clase de harapos sucios. Indisociable del coleccionista, se halla el niño y su impetuosa práctica dirigida a gestar sin tregua nuevas colecciones. El niño, escribe Benjamin corroborando su razonamiento, se siente irresistiblemente atraído por los deshechos. En esta actividad del niño, o del Trapero, todo es anacronismo porque todo tiene la dimensión de la impureza y es en esta donde perdura o mejor, sobrevive el pasado.

Ante el Tiempo: historia del arte y anacronismo de las imágenes.
Greorge Didi-Huberman.

Los Archivos

La obra es una archivo que además hay que archivar. Algunas obras son un documento a pesar de sí, otras producen contenido y, por lo tanto, material de archivo.

Las cosas antes de tener un precio, tienen un valor.

Los artistas registramos, documentamos y producimos obra que funciona literalmente como archivo en todo el mundo. Los artistas acopiamos y organizamos información y todos los formatos nos pertenecen.

La importancia mayor de los archivos es su puesta en circulación, publicación, apertura al público, la posibilidad de consultarlos.
En la selección y edición está la toma de posición. La apertura los mantiene vivos. Después, el tiempo.

MDA – Apuntes para un aprendizaje del arte.
Diana Aisenberg.

«Es necesario llevar al nivel de la conciencia tal conexión subterránea que siempre ha unido ciencia y arte. Esa conexión interrumpida entre vivencia y conocimiento debe ser hecha conciente si queremos tener vivencias y conocimientos plenamente humanos, esto es, políticos, intersubjetivos.»

Arte y Técnica
Vilém Flusser sobre arte, aparatos y funcionarios.

¿Y cuál es el efecto general del buen montaje?

El de establecer una relación crítica entre la imagen y la palabra que ayuda a ambas a escapar de la cadena de los estereotipos. Mediante el montaje, dos imágenes que no estaban relacionadas asumen una posición diferente y así se propicia una mirada crítica. Es la diferencia que hago entre las imágenes que toman partido y las imágenes que toman posición: las primeras tienen un sentido obvio, las segundas son críticas. Desde Godard hasta Farocki, todo pasa por montar bien las imágenes, aunque sean imágenes detestables.

«Las imágenes son un espacio de lucha»
Entrevista a George Didi-Huberman

“Esta mañana he visitado el lugar donde los basureros vierten su cara. ¡Dios mío, qué bello era!
Mañana me traerán algunas piezas interesantes de ese montón. Entre ellas, unos faroles rotos para que pueda admirarlos o, si usted quiere, utilizarlos de modelo. Están oxidados y doblados. Uno de los basureros me lo trae. Este montón de cubos, cestos, ollas, cazos, latas, cables, faroles, pipas, tubos de chimenea que la gente ha tirado, sería un verdadero tema para un cuento de Andersen. Creo que esta noche soñaré con él y en invierno no me dará trabajo.
Si viene usted a La Haya le llevaré con gusto a dicho lugar y a otros dos que constituyen verdaderos paraísos para el artista, a pesar de que sean tan poco vistosos”

Kurt Schwitters
Herta Wescher: La historia del collage: Del cubismo a la actualidad.

¨En tercer lugar, artistas mujeres que realizaron una obra con una iconografía transgresora de los parámetros existentes, con representaciones en que la mujer ocupa un espacio inédito, pero que no admiten ser identificadas como feministas ni como mujeres: sólo como artistas. Es el caso de Raquel Forner. En sus representaciones de la Guerra Civil española o sobre la Segunda Guerra Mundial y la inmediata posguerra, ella incorpora el cuerpo de la mujer en representaciones que en la tradición iconográfica existente se habían asociado al cuerpo masculino. Coloca el cuerpo de la mujer en el lugar del cuerpo de Cristo. Representa a la mujer con estigmas y heridas equivalentes a las de la crucifixión; introduce cuerpos femeninos sufrientes que asumen el drama de la humanidad. Todas estas representaciones se constituyen como el depósito representacional de las heridas de la guerra. En vez del frente de batalla en acción o posterior a la derrota, con hombres en armas o cadáveres, Forner representa la guerra desde formulaciones alegóricas que condensan en el cuerpo sangrante la pulsión entre la vida y la muerte. En numerosas ocasiones, de las manos heridas emergen flores rojas como un signo futuro, de esperanza. Sin embargo, y más allá de estas iconografías elocuentes, Forner se resistía a emplear la palabra ¨mujer¨ en la caracterización de su obra. Las razones de esta separación entre una obra poderosamente femenina y una política del feminismo pueden entenderse desde la búsqueda de una posición de poder que caracterizó a muchas mujeres artistas durante los años de la inmediata posguerra. Una posición que, aunque no se lo declarase, resistía la distribución no equitativa del mundo del arte y buscaba competir en pie de igualdad.¨

Feminismo y Arte Latinoamericano.
Historia de artistas que emanciparon el cuerpo.
Andrea Giunta

¨El término «cortar y pegar» se ha establecido en nuestro vocabulario cotidiano a partir del uso generalizado del ordenador como herramienta de trabajo. Cortamos y pegamos fragmentos de un discurso interminable de textos, cartas, informes, como algo sin mayor problema: ponemos y quitamos, cambiamos el orden, sin llegar al papel.¨

¨Sin embargo hay una técnica, un subgénero que encabalga la fotografía con la pintura, con el objeto único, con esas obras que los artistas, incluso antes de la fotografía, tocan y realizan con sus propias manos, sin posibilidad de hacer series, la obra única por excelencia. Hablamos del collage, del fotomontaje, del fotocollage, de esas obras que atraviesan la historia del arte desde las vanguardias y abducen a la fotografía desde el principio. Ese arte en el que es el ojo el que se convierte en una cuchilla afilada y corta, amputa, secciona una realidad ya dada por la pintura, por el dibujo y, finalmente, por la fotografía.Y este es uno de los aspectos más importantes de esta técnica de superposición y fragmentación: la crítica social, la ironía, el combate político, la burla de una realidad, el combate visual con lo preestablecido. No siempre se trata de recortes de fotografías que se pegan sobre una superficie para construir otra imagen…. Pero también puede ser el resultado de una compresión de imágenes, en cuyo proceso ineludiblemente se pierde parte de los originales, de su calidad, pues estas imágenes previas son simplemente materiales para la construcción de la obra final.¨

El ojo que corta como un cuchillo
Rosa Olivares

¨No tanto creación, sino diferentes formas creativas de absorción, de asimilación. O la digestión como forma de creación, si se prefiere. Sus acciones: cortar y pegar, mezclar, fusionar, derivar, filtrar, alterar, reelaborar material visual preexistente. En un mundo saturado de imágenes caracterizadas por su disponibilidad, la creación visual se identifica cada vez más con el montaje, la combinación y la transformación de imágenes raptadas. El lenguaje del arte hoy es, sobre todo, lenguaje sobre lenguajes existentes; como si “expresar” sólo pudiera ser ahora resultado del uso de un diccionario ya compuesto, de un repertorio de elementos que combinar de diferentes maneras.¨

¨En definitiva, los conceptos operativos de la estética “sampler” no son, no podrían ser, el signo, el significante, el significado y la connotación, sino la apropiación, la repetición, el estereotipo, animados siempre por el placer que emana de la manipulación del cliché usado. Se opera por disecciones de imágenes encontradas a las que se somete a configuraciones y estructuraciones otras, a modulaciones adaptativas; hacer “sampling” consiste siempre en efectuar movimientos seriales de desligamientos, superposiciones y variaciones entre los elementos apropiados. El resultado de ese proceso es, ante todo, la expresión – entendida como sedimentación estratificada- de una forma de navegación o deambulación inquisitiva por un mar de imágenes disponibles.

Es posible, por todo ello, que la estética basada en estrategias de “sampling” tenga mucho de práctica de resistencia cultural. La razón: aquí el artista se sitúa, ante todo, en el papel de un receptor, de un consumidor de imágenes. Alguien que, sin embargo, digerirá de formas inesperadas lo que se le ofrece, lo que los intereses comerciales y corporativos nos ofertan, generando nuevas sendas en la producción de sentido a través de reconfiguraciones y recombinaciones diversas de los objetos, imágenes y demás signos de la cultura. En esta práctica creadora que opera como forma de consumo específica y crítica, la “obra” no es sino la expresión de un tránsito por un universo de datos visuales y de referencias que el artista se opone a consumir pasiva y complacientemente, prefiriendo recrear y transformar esos elementos, reconfigurando sus relaciones de dependencia y de oposición de otro modo, mostrándonos formas distintas y posibles de “metabolizar” los elementos que constituyen el imaginario visual de nuestra cultura.¨

SAMPLING-COLLAGE — Juan Martín Prada
(Martín Prada, J., “Sampling-Collage” Revista EXIT, 2009, pp 120-143)

¨La ventaja peculiar del fotomontaje reside en el hecho de que todo lo que se ha recortado mantiene su familiar aspecto fotográfico.¨

¨Quienes estén interesados en el futuro uso didáctico del fotomontaje para la crítica social y política deberían, sin duda, experimentar aún más con la capacidad que encierra esta técnica para desmitificar las cosas. El genio de Heartfield residía en su descubrimiento de esta posibilidad.¨

¨Los fotomontajes más débiles son los puramente simbólicos, los que utilizan sus propios medios para crear aún mayor confusión retórica. La obra de Heartfield no siempre se libra de esta confusión. La debilidad refleja unas profundas contradicciones políticas.¨

¨En las comparaciones ideológicas, a diferencia de la realidad, la división entre tesis y antítesis es tan fina como el papel: un solo reflejo puede convertir el negro en blanco.¨

Los usos político del fotomontaje.
La Apariencia de las cosas. John Berger

¨El artista no es un privilegiado de la vida, no tiene derecho a vivir sin deberes, está obligado a un trabajo pesado que a veces se convierte en su cruz. Ha de saber que cualquiera de sus actos, sentimientos y pensamientos constituyen el frágil, intocable, pero fuerte material de sus obras, y que, por lo tanto, no es libre en la vida sino sólo en el arte.¨

De lo espiritual en el arte
Vasili Kandinsky

«No todos somos artistas ni debemos serlo, pero descubrir al artista que hay en cada individuo es una tarea ineludible de la educación. El aspecto del arte, tanto formador como transformador, no siempre es tomado en cuenta. Al igual que el alimento y la salud, el arte es un elemento base para la formación de personas aptas para el reconocimiento de sus necesidades y el modo de satisfacerlas, y contribuye a generar un sistema de valorización propia, genuina y poderosa.»

MDA: Apuntes para un aprendizaje del arte.
Diana Aisenberg

¨La base de todo pensamiento es la pregunta. Los interrogantes esenciales evidencian las sensaciones internas que el hombre debe concientizar; dale forma substancial para que tengan explicación plausible de ser aceptada.¨

El Regreso de los Dioses: Estudio sobre psicología de la religión.

¨…el movimiento que le es propio a las imágenes se manifiesta a través del síntoma, no en tanto concepto clínico o semiológico, sino como expresión de un malestar, de lo que aparece para ¨interrumpir el curso normal de las cosas¨ y de lo que en esa aparición sobreviene a destiempo.¨

Ante el Tiempo: historia del arte y anacronismo de las imágenes.
Greorge Didi-Huberman

«¿Qué es la locura? Ausencia de obra.»

El Genio y la Locura.
Philippe Brenot

¨Pero tampoco pongo en cuestionamiento lo que la palabra artista significa. Por ello quiero que se entienda una mera referencia a aquellos que se permiten desarrollar algunos mecanismos desalienantes a través del acto creativo, lo que los lleva a ser aprendices de brujo, ésos a los que me refiero en este libro.¨

¨El arte no es un trabajo expresivo de individualidades, sino de relaciones de esos individuos que se llaman artistas, con lo circundante.¨

¨A uno y a otro, papanatas solemnes, les respondo: La ¨obra de arte¨ es un mito, una idealización. Es más importante el esbozo de un creador, porque está lleno de potencial de vida que la perfección de un seguidor porque ésta es simplemente un cadáver.¨

¨No hablo del artista y la obra sino de la obra como límite entre dos fenómenos diferentes. El quehacer del artista y el enfrentamiento de todo el mundo frente a su quehacer.
El quehacer es mucho más que la obra, y si esta nos importa es porque nos habla del quehacer.¨

¨El caos no existe, lo que pasa es que llamamos caos a algo del que carecemos de módulos para entenderlo. Osea que caos, el desorden, es en realidad un orden que no entendemos. Es un orden haciéndose, es un orden abierto.
¿Qué es caos? caos es desorden, o mejor dicho, ausencia de todo orden conocido como tal. ¿Qué es asumir el caos? es hacerlo propio al desorden. Entenderlo en todas sus posibilidades. Encontrar nuevos módulos.¨

Antiestética.
Luis Felipe Noé

¨Las imágenes de la memoria tienen exactamente la misma calidad que las imágenes de un sueño.¨

¨El arte cura porque tenemos que curarnos de no ser nosotros mismos y no estar en el presente.¨

¨El lenguaje es ante todo una actividad del cuerpo, se corresponde con la naturaleza del sistema nervioso. Desde mi punto de vista, debemos ser capaces de producir un lenguaje bello y poético. Un lenguaje sano. las enfermedades mentales, como enfermedades corporales, se reflejan en la manera de hablar.¨

¨Es un crimen que se desconozca que el tarot es una obra de arte sagrada.¨

¨Hacer tarot es hacer el bien, y es hacer arte.¨

¨La magia no es la superstición, la magia es la naturaleza del mundo.¨

¨El arte para ser arte, debe curar.¨

¨Hablamos de magia porque las leyes de la magia son las mismas que rigen el inconsciente: la metonimia y la metáfora.¨

¨La psicomagia viene a recobrar un dominio perdido: la colaboración entre terapia y arte.¨

Psicomagia.
Alejando Jodorowsky.

¨(…) Allí donde se yuxtaponen en una historia real(para parafrasear a Foucault) varias temporalidades que normalmente serían deberían ser, incompatibles. Toda historia de las imágenes (…) no podría ser sino una ¨reserva de imaginación¨, es decir, un permanente entrecruzamiento de heterotopías y heterocronías: en suma, una contra-historia, una historia a contra-pelo.¨

¨Para una crítica de la violencia: Walter Benjamin: Lenguaje no solo significa comunicación de lo comunicable, sino que constituye a la vez el símbolo de lo incomunicable.¨

El Arte de la vida distinta, o como no ser Gobernado.
Georges Didi Huberman

¨En el arte conceptual la idea o concepto prima sobre la realización material de la obra y el mismo proceso –notas, bocetos, maquetas, diálogos– al tener a menudo más importancia que el objeto terminado puede ser expuesto para mostrar el origen y desarrollo de la idea inicial. La verdadera obra de arte es la idea. El arte conceptual es un arte crítico y corrosivo, pone énfasis en lo mental, en la ideación de las obras, relegando en importancia su realización material o sensible.
Junto a este reduccionismo de lo manual, existe en las obras de arte conceptual una hipervaloración del trabajo de arte, como una actividad reflexiva, tanto mental como experiencial.
Los artistas conceptuales abogan por un decidido rechazo de los aspectos mercantiles del consumo de arte y al mismo tiempo, muchos de ellos intentaban imbricar su actividad artística en un contexto más amplio de preocupaciones sociales, ecológicas e intelectuales, por oposición a la
producción de objetos diseñados según criterios utilitaristas y funcionales al establishment cultural.¨

¨Por cada obra de arte que se materializa hay muchas variaciones que no se materializan.¨

¨En el arte conceptual, la idea prima sobre la realización material de la obra y el mismo proceso-notas,bocetos, maquetas, diálogos, al tener a menudo más importancia que el objeto terminado, puede ser expuesto para mostrar el origen y desarrollo de la idea inicial.¨

¨La acción, tal y como el artista la concibe, no es un mero recreo o un acto de provocación y participación, como el “happening” de Fluxus. Es una experiencia catártica, un rito de iniciación donde –desde una perspectiva antropológica– arte y ritual van unidos de un modo dramático en operaciones chamánicas de intensa concentración y hondo alcance espiritual.¨

¨Una feroz inmersión en los universos mentales sofocantes, como una pared que de tanto cobijarnos comienza a estrecharse y termina por aprisionarnos, como la manía de acumular ya sea por miedo al futuro o simple avaricia. Recordemos que el mundo consiste en una multitud de proyectos, realizados algunos, a medio realizar otros, y algunos sin realizar. La acumulación no funcional –que aparece sublimada bajo la forma del coleccionismo– parece responder al deseo utópico y maníaco de evitar la dispersión y la fuga de las posesiones sean estas personas u objetos inanimados. Deseamos que el mundo comparezca todo y simultáneo sin puntos de fuga, en la claustrofobia del orden regulado según las más tiranas ideas que pueden apoderarse de nosotros.¨

Arte Conceptual y Posconceptual. La idea como arte: Duchamp, Beuys, Cage y Fluxus.
Adolfo Vásquez Rocca.

«Carl Happich considera que dentro de nosotros vive una conciencia llena de imágenes que se revelan en los estados cercanos al sueño y la ensoñación y en estado de meditación.
El sueño es un profundo catalizador de ideas: las transforma, las condensa, las traslada a imágenes y las presenta a la conciencia instantánea del despertar antes de borrarlas. «

El Genio y la Locura.
Philippe Brenot.

«El muralismo es fruto de una época convulsa. los primeros murales que se pintaron al final de la guerra revolucionaria fueron parte del esfuerzo de sanar las heridas anímicas de los mexicanos. En aquel ambiente de reconstrucción nacional, los artistas que recibieron muros en antiguos templos católicos y edificios virreinales definieron la misión del arte público: transformar y regenerar el espíritu humana, la conciencia social y política y la propia actividad artística.»

Nueva revisión del muralismo mexicano y su expresión moderna.
Eduardo Subirats

¨Fue uno de los pocos que en esos años se atrevió a romper la dicotomía entre arte comercial y no comercial, poniendo en el mismo plano de valoración tanto uno como otro¨.

¨Ahora hablamos de literatura expandida o aceptamos que la palabra escrita ha atravesado el territorio de las imágenes. La Clasificabilidad del Teatro Proletario de Cámara es precisamente eso¨

Valentín Viola sobre Osvaldo Lamborghini.

¨No es la irreversibilidad de la producción lo que debe preocuparnos, sino el mal uso al que las imágenes son sometidas.¨

¨El mérito que atribuimos a una imagen ya no reside en el proceso de hacerla, si no en el acto de reconocerla.¨

La cámara de Pandora.
Joan Fontcuberta.

«-¿Usted cree que las pinturas de la cueva de Chauvet marcan el nacimiento del alma humana moderna? ¿En qué consiste la humanidad?

– La humanidad es una buena adaptación  al mundo. Las sociedades humanas deben adaptarse al entorno, a otros seres vivos, a los animales, a otros grupos humanos. y necesitan comunicar cosas… Para comunicar y grabar recuerdos en lugares muy específicos, como cosas de arte: como muros, trozos de madera, huesos. Eso es invención del hombre de Cromañón.

-¿ Y qué hay de la música?

– Sí, también la mitología, la música. Pero, se inventó el arte figurativo, con representaciones de animales, hombres, cosas, como una forma de comunicación entre humanos y con el futuro para evocar el pasado, para transmitir información, y es mucho mejor que el lenguaje, que nuestra comunicación oral. Y esa invención sigue vigente hasta hoy en día, como con esta cámara por ejemplo.»

La Cueva de los Sueños Olvidados.
Werner Herzog.

«Verán allí que un hexagrama tiene muchas lecturas posibles, y que meditar sobre ellos despierta la imaginación. La verdad, el saber, es algo que se siente dentro. Se le suele llamar certeza intuitiva, y es una manera de conocer a través de símbolos e imágenes. No se inhiban de hacerlo, sean libres de hacerlo. Es una de las tantas formas de libertad posible para los hombres.»

Hexagrama 12, El estancamiento.
Marta Ortiz